Brillantes guitarras y cruces sonoros: las mejores novedades de flamenco

El guitarrista flamenco sevillano Rafael Riqueni, en su séptima grabación de estudio, regresa al terreno de la composición con una obra conceptual de carácter programático, Nerja. Es una disciplina que comenzó a ejercitar en 1992 con la Suite Sevilla, para volver a ella de forma muy especial en 2017, con su aplaudido Parque de María Luisa. En esa obra, se evocaban recuerdos de infancia y juventud, mientras en esta las escenas son imaginadas, una suerte de fantasía descriptiva que recrea y cuenta la historia de los jóvenes que una noche, por casualidad, descubrieron las Cuevas de Nerja (Málaga). Riqueni las visitó en 2007 por invitación del poeta e investigador flamenco José Luis Ortiz Nuevo, que, como director entonces de la Bienal de Flamenco de Málaga, le había encargado una creación sobre ellas.

La idea de Nerja viene, pues, de lejos, pero el proceso compositivo se vio interrumpido por la enfermedad del creador, que lo tuvo apartado de la actividad durante bastante tiempo. Sin embargo, nunca se abandonó y, sobre todo, al igual que Parque de María Luisa, afectada por la misma vicisitud, se pudo retomar y completar en paralelo a la propia recuperación del guitarrista. Se trata, una vez más, de una obra que hay que celebrar, especialmente porque su escucha nos devuelve a ese Riqueni brillante que, sin abandonar la inspiración flamenca, la traspasa para encontrarse con la del nacionalismo musical español, a cuyos representantes —Falla, Albéniz, Granados o Turina— profesa una especial veneración. No resultó casual que, para el estreno de la obra, se eligiese el Teatro Chaillot de París (2022), al que aquellos compositores acudían a presentar sus obras ante sus compañeros impresionistas franceses.

Nerja es una composición pensada en principio para trío de guitarras (el maestro se acompaña de las de Manuel de Luz y Salvador Gutiérrez) y violoncelo (Gretchen Talbot), y en la grabación se incorporan las percusiones de Antonio Moreno y Agustín Jiménez. El aliento de carácter impresionista que asiste a Riqueni amplía y enriquece su ya de por sí rico discurso flamenco. Y lo hace con la misma sensibilidad que le ha identificado siempre, porque el toque del sevillano, pese al paso del tiempo o los problemas, no ha perdido su lirismo o su dulzura y, sobre todo, su capacidad de conmover. En esta ocasión, estas armas son el vehículo para la imaginación de la citada historia, a la que dota de vida —con sus sentimientos de sorpresa, emoción o temor— a través de 12 piezas en forma de suite, pasajes con distintas duración o carácter y diferentes tonalidades. Por ellas asoman aires flamencos —los de tangos, alegrías, fandangos o bulerías—, pero más allá de esos componentes, la escucha de la obra (mejor realizarla de continuo) regala una permanente belleza y una sucesión de momentos que deparan inesperados pellizcos.

Riqueni es uno de los más brillantes representantes de la guitarra flamenca de concierto, y pertenece a la generación posterior a Paco de Lucía, figura en la que se mira la guitarrista Mercedes Luján, al dedicarle la taranta de su primera grabación, Origen y revolución. Es esa una pieza para el virtuosismo, que marcó un punto de inflexión en la carrera del maestro de Algeciras: su ‘Fuente y caudal’ fue la joya del álbum del mismo título, más nombrado por contener la popular rumba ‘Entre dos aguas’. La creación de Luján tiene la profundidad que le corresponde, con su rumor de aguas, y es uno de los cortes más brillantes de un disco que porta en su mismo título el avance de sus contenidos. En la taranta, y también en una clásica soleá, de claras falsetas, se encuentra el origen, la tradición, mientras que, en otros cortes, la guitarrista muestra la evolución con la que trata esa herencia, que es colorista y cuidada, lejos de cualquier estridencia. También se exhibe en la disciplina de acompañamiento al cante de Rancapino Chico, en una malagueña; Arcángel, en fandangos de Huelva y José Mercé en unos tangos.

Muy distinta es la aproximación a las seis cuerdas de Juan Medina, antes conocido como Juanito Makandé, una etapa que parece haber dejado atrás para regresar al origen, que vuelve a ser la guitarra. A ella se ha entregado en un ejercicio que, aunque contiene ritmos y ciertos aires flamencos, está dominado por el tono pausado y una atmósfera intimista, si no introspectiva, que se expone a lo largo de diez composiciones en clave de jazz suave con esa raíz con la que Medina se identifica. Unos códigos y un lenguaje que domina y que puede llevar al encuentro con otras músicas. Las distintas colaboraciones apuntan y refuerzan esa diversidad.

Casi coincidiendo con su reconocimiento con el Premio Nacional de las Músicas Actuales 2025, el armonicista Antonio Serrano publicaba una nueva grabación, Jazz Caló, una experiencia compartida con el pianista gitano Kaele Jiménez. El encuentro con este joven talento parece haber conducido a Serrano a plasmar su personal aportación a la fusión entre jazz y flamenco, género con el que reconoce tener una deuda tras diez años en la banda de Paco de Lucía. De él incorpora dos de los temas —la rumba ‘Río Ancho’ y la ‘Canción de amor’— de una abierta selección que incorpora viejos standards de jazz (‘Take the A train’ de Billy Strayhorn y ‘Giant Steps’ de John Coltrane) junto con tres composiciones propias y otras debidas a Alejandro Sanz, Vicente Amigo o Parrita. Las versiones atrapan con sus originales tratamientos, que son el resultado del encuentro entre la densidad de matices de la armónica cromática y la ligereza y luz que aportan tanto el piano como el teclado Rhodes, utilizados casi por igual.

Nerja

Rafael Riqueni
Universal

Origen y revolución

Mercedes Luján
Altafonte

Fugaz

Juan Medina
Satélite K

Jazz caló

Antonio Serrano & Kaele Jiménez
Kamala