‘El vértigo de las imágenes’: de los medios de comunicación a la inteligencia artificial, una invitación a pensar lo que vemos

A Gestual History of the Young Worker (2019) es una instalación del colectivo Werker, fundado por Marc Roig Blesa y Rogier Delfos. Realizada en colaboración con Georgy Marmedov, se inspira en la representación del cuerpo trabajador en la antigua Unión Soviética. Explora de manera crítica las conexiones entre las opresiones históricas del trabajo y la experiencia queer, proponiendo una unión utópica entre trabajo y deseo. Articulada a través de textos e imágenes procedentes de distintas fuentes, la instalación adopta una estructura laberíntica que subvierte el recorrido lineal habitual, y genera encuentros inesperados con los visitantes.

Estas estrategias anticipan algunas de las cuestiones centrales que articulan la exposición El vértigo de las imágenes presentada en el TEA Tenerife Espacio de las Artes dentro de la bienal Fotonoviembre, un proyecto que desde 1991 se ha consolidado como un espacio de diálogo y reflexión en torno a la imagen fotográfica contemporánea. Comisariada por Marta Dahó Masdemont, aborda el medio fotográfico como un territorio abierto, definido por su condición liminar y se organiza en cuatro espacios que prescinden del recorrido temático tradicional para proponer nuevas formas de mirar, imaginar y relacionarse con las imágenes.

Frente a la saturación visual, la estandarización de las representaciones y las transformaciones que introduce la inteligencia artificial, las imágenes, señala la comisaria, “exceden su mera naturaleza visual” y se resisten “a ser reducidas a una lógica de consumo inmediato o a una representación unívoca”. Asimismo, en un presente marcado por la incertidumbre y la sensación de colapso, la inquietud atraviesa no solo nuestras formas de vida, sino también nuestra relación con las imágenes. ¿Qué lugar ocupan hoy en esta compleja trama de experiencias? ¿Qué posibilidades nos ofrecen para pensar más allá de sus complicidades con los sistemas de producción? Tal y como señala la filósofa Andrea Soto Calderón, cuya voz está muy presente en el discurso curatorial, no percibimos las imágenes como simples objetos: nuestra manera de ver y comprender se configura a través de ellas.

Son 35 los artistas presentes, figuras históricas y contemporáneas. Así, en Di sguincio (1969-1981), Guido Guidi subvierte los lugares comunes sobre cómo mirar, distanciándose de las convenciones del fotoperiodismo y la fotografía comercial para explorar encuadres inusuales y aparentes “errores”. Su enfoque lúdico y sorprendente destaca los detalles cotidianos de lo inesperado, mostrando como incluso los momentos menos decisivos pueden ofrecer información relevante y nuevas reflexiones sobre la fotografía. Cerca, la instalación Soportes vivientes para la fabricación de un mito (2013), de Julia Montilla, revisa la producción fotográfica generada por los medios de comunicación ante las supuestas apariciones marianas frente a unas niñas en la localidad cántabra de San Sebastián de Garabandal. Mediante la proyección de diapositivas crea un contrarrelato que cuestiona esta certificación de milagros y subraya el papel de la imagen en la construcción del mito y de lo sagrado.

Si Bleda y Rosa cuestionan los relatos establecido y utilizan el paisaje y la arquitectura para repensar la historia, en Prontuario (2010-2017), Linarejos Moreno reinterpreta el legado del científico de Alexander von Humboldt en On the Geography of Green III-III (2016-2023) para mostrar que la memoria no es un archivo estático, sino un espacio para la imaginación y la crítica social, donde se revelan los vacíos históricos y los sustratos culturales de los pueblos originarios. En su trabajo, texto e imagen, tiempo y espacio, se entrelazan para proponer lecturas diversas, poniendo el foco en aquellas huellas silenciadas por la historia y en sus resonancias en el presente. En Kanarische Landschaften (2024), la artista canaria Teresa Arozena propone una mirada crítica de lo local frente a la explotación turística, visibilizando conflictos sociales y ecológicos y cuestionando la mercantilización del paisaje a escala global.

Los proyectos que se incluyen “invitan a repensar la experiencia de la imagen, entendida no como una lectura lineal —de izquierda a derecha— sino como una percepción global e inmediata, sin inicio ni cierre definidos, abierta a múltiples interpretaciones”, advierte la comisaria. Esta idea se hace tangible en obras como Glasgow Flats (2018), de Damián Ucieda, que exploran cómo lo visual puede desafiar nuestras expectativas y revelar realidades invisibles. En esta serie, el fotógrafo aborda el desmantelamiento de la vivienda social. Para ello concibió el proyecto como un ensayo con reglas precisas: fotografiar durante seis días edificios de protección oficial utilizando una cámara de 4x5 y únicamente tres cajas de polaroids —un formato que interrumpió su producción en 2008—. Con este soporte analógico, cuyos resultados son impredecibles, busca mostrar aquello que está desapareciendo.

La serie se presenta junto a Untitled #28 Memphis (2000), de la serie American Night de Paul Graham, perteneciente a los fondos del TEA. El fotógrafo británico hace un uso deliberado de la sobreexposición, de modo que las imágenes aparecen con blancos intensos que dificultan ver con claridad lo que ocurre en ellas. Este recurso no es solo estético: alude a la invisibilidad social, así como a la pobreza y la exclusión racial.

En 4004 (2021), Joana Moll reflexiona sobre la conexión entre el crecimiento exponencial de los microprocesadores y la pérdida de numerosas especies de insectos, esenciales para el equilibrio ecológico. En paralelo, en The Flora: Hedging (a.k.a. Hedge Heist), asaltar una cerca se convierte en una metáfora de la eliminación de las distinciones sociales. Eline Benjaminsen y Dayna Casey exploran así cómo el lenguaje financiero, la ecología y la desigualdad se entrelazan, utilizando el concepto hedge que vincula cercados, fianzas y privatización mediante una acción situada en una zona de élite de los Países Bajos.

También se exhibe Evidence (1977), el trabajo de Mike Mandel y Larry Sultan, que marcó un antes y un después en la historia de la fotografía a través de la apropiación y descontextualización de imágenes procedentes de diversos archivos de instituciones estadounidenses. Siguiendo esta línea, Colorless Green Ideas Sleep Furiously (2025), de Erik Estany Tigerström, retoma el gesto de la descontextualización: reutiliza las fotografías de la famosa serie para entrenar un modelo de inteligencia artificial que genera nuevas imágenes. Estas ya no documentan hechos reales, sino simulaciones algorítmicas que transforman el significado y la apariencia de las imágenes originales. Al presentarlas en forma de libro, la obra cuestiona qué entendemos hoy por evidencia fotográfica y pone de relieve la confusión que provoca su semejanza con la fotografía documental, invitándonos a repensar desde dónde y cómo las miramos.

Max de Esteban aborda dos procesos que están transformando radicalmente nuestra relación con el mundo: la traducción de todo conocimiento visual y lingüístico a un lenguaje computacional y el desarrollo de la inteligencia artificial, una transformación tecnológica que está alterando la forma en la que atendemos el lenguaje, la naturaleza y el poder. Así, en Rethorics of Silence (2023) la expansión de un lenguaje ilegible para los humanos se cruza con la búsqueda de los restos de un lenguaje literario y sensible, hoy reducido a enigmáticos signos numéricos. The Forest (2019), adentra al espectador a recorrido por un bosque de naturaleza incierta acompañado de una voz en off —atribuida a un influyente inversor en IA—que le interpela sobre la dificultad de imaginar el alcance de las transformaciones que estas tecnologías anuncian.

Junto a los artistas ya mencionados, Ismail Bahri, Patricia Dauder, Carla Felipe, Lee Friedlander, Marina Gadonneix, Man Ray, Pilar Monsell, Silvia Navarro Martín, Mabel Palacín, Joel Peláez Amador, Aleix Plademunt, Lucía Pracha, Pérez y Requena, Xabier Ribas, Lotty Rosenfeld, Laia Serra Cribilliers, Oriol Vilapuig y Tobias Zielony completan el recorrido de la exposición. Sus obras refuerzan una apuesta común: recuperar la potencia crítica de la imagen para abrir espacios inesperados y generar preguntas. Frente a la estandarización impuesta por la industria visual, el conjunto propone otras formas de mirar y de pensar. Como recuerda la comisaria citando a Soto: “El problema no es la proliferación de imágenes, sino la repetición de un mismo modelo visual, que nos ha hecho desaprender cómo imaginar y especular. Recuperar esa capacidad y pensar las imágenes desde su fuerza transformadora se vuelve así una urgencia”.

El vértigo de las imágenes. TEA Tenerife Espacio de las Artes. Santa Cruz de Tenerife. Hasta el 22 de febrero