18 clásicos del pop-rock español que cantas y quizá no sepas de qué trata la letra (3)
En qué circunstancias se escribió Chica de ayer ; a quién esta dedicada Conductores suicidas, de Sabina; ¿y El poeta Halley , de Love of Lesbian?; ¿sabías que Corazón partío no es una canción de amor?
Champú de huevo es el primer número uno del artista asturiano, incluido en su disco de debut como solista, Neocasal. La letra traza una sucesión de reproches en toda regla sin destinatario especificado: "Quién te apartó de aquella sucia esquina, quién te enseñó a volar, quien puso fin al precio en tu mirada, quién te enseñó a maquillar, quién escogió el tinte de tu pelo, quién te enseño a vestir, quién puso alas en tus tacones, quién te enseñó a sonreír. Dices que te vas, que es más alto que yo, me cambias por un Frankestein". Tirando de hemeroteca, podríamos pensar que se refiere a sus protegidos Obús, pero no, no son ellos, pues siempre tuvo buena relación con los pioneros del heavy metal patrio. Es el productor de Tino Casal, Julián Ruiz, quien lo aclara, aparte de dar algunas claves de la gran repercusión de Champú de huevo: "La canción esta dedicada a McNamara [Fabio McNamara, figura fundamental de la Movida, que formó un dúo musical con Amodóvar], su viejo amigo, mi buen amigo. Y pienso que, con esta canción, Casal inventó un nuevo pop nacional. Era como rebrotar, escribir de otra manera, la nueva ola de aquella época. Hay que fijarse en el trabajo de las voces, con todos los trucos, con las octavas en su voz".
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Las letras de las canciones de Vetusta Morla son tan intrincadas que se abren encendidos debates entre los seguidores sobre de qué demonios está hablando el grupo. Aunque en ocasiones, el sexteto madrileño nos sorprende precisamente por la sencillez evocadora de sus textos, como por ejemplo ocurre con Tour de Francia, canción de su cuarto disco, La deriva (2014). Un texto evocador, sí, pero en el que juegan al despiste: parece una canción homenaje al Tour de Francia, pero no. El guitarrista, Juanma Latorre, es quien aporta la clave: "Habla de esos veranos de despreocupación total que parecía que no se acababan nunca y en los que casi pedías a gritos el final porque ya no sabías de qué aburrirte. Una de las formas favoritas de pasar las tardes era ver el Tour de Francia. En la canción habla de una nostalgia simpática de aquello. Es un estado mental más que el hecho en sí de que tu trabajo te lo impida. Lo que se echa de menos no es tanto no poder pasar el verano tocándote las narices, sino el hecho de no poder poner tu mente en un estado de deriva placentera. Utiliza el mundo del ciclismo como hilo conductor de una forma simpática".
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La canción más famosa del pop español (¿o es que no lo es?) se escribió en una garita militar. El autor del tema, el gran Antonio Vega, la parió mientras hacía la mili en Valencia, en 1976, cuando tenía 19 años. Allí, en la costa, bajo el tedio de una tarde veraniega se le ocurrió esta inmortal pieza. Y se preguntará el lector: si fue escrita en Valencia, por qué esa referencia a la noche madrileña en estrofas como: "Y luego por la noche al Penta [local mítico de Malasaña] a escuchar canciones que consiguen que te pueda amar". Porque Vega dejó algunas estrofas en el aire, que remató cuando, terminado el servicio militar, regresó a Madrid. Chica de ayer iba a ser al principio una balada. Esta evocación nostálgica sobre una chica llevaba un ritmo pausado. Pero en el estudio donde se grababa el primer disco de Nacha Pop, Teddy Bautista (sí, el expresidente de la SGAE y gran músico), que ejercía de productor y teclista, tomó una decisión. "Sentí su ritmo interno, su latido. Me recordó al paradigma del rock americano, de un grupo como The Lovin' Spoonful y su canción Do you believe in magic?, a cuya grabación había asistido en 1965. Me inspiré en esa canción para los arreglos". Y Chica de ayer quedó tal cual la conocemos.En la imagen, Antonio Vega y Nacho García Vega, en un concierto de Nacha Pop.
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Versos sobre vivir la vida al límite, a toda velocidad y en dirección contraria. "Sin despeinarte por el agudísimo filo de la navaja de esta espídica ciudad./ Salías a hacer turismo al borde del abismo./ Pero creo que de un tiempo a esta parte te has deslizado al lado marrón./ Tú que eras un maestro en el difícil arte de no mojarte bajo un chaparrón", canta Sabina en este rock vacilón de su disco Física y química de 1992. La canción, en realidad, tiene un poso amargo y está dedicado a una persona en particular. Se trata de Manolo Tena, según ha reconocido el propio cantautor de Úbeda. Compañero de andanzas al límite, al que aquí Joaquín lanza un aviso en forma de canción, tratando de reconducirle a la buena senda: "Buscando en la basura un gramo de locura, dime que es falso que ya nunca escribes./ Que has empeñado el reloj de Raquel, que tu corazón no haya quien lo motive, que has perdido siete kilos en un mes./ ¿Cómo te has dejado llevar a un callejón sin salida? El mejor dotado de los conductores suicidas". En no pocas ocasiones cantó esta canción Manolo Tena en directo, haciéndola absolutamente suya por derecho.
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A pesar del título, 'Negativo' es una canción de autoafirmación porque en Bunbury, en el fondo, casi todo es autoafirmación, declaración de principios y manifiesto vital. En 'Negativo', segundo tema de su primer disco en solitario tras Héroes de Silencio, Radical sonora (1997), el zaragozano recalca que ha cruzado el punto de inflexión y ha cerrado una etapa. A la que no volverá, aunque recuerda con cariño: "Las noches desvelado, drogas consumidas, las mujeres que me acompañaron./ Así el dinero gastamos, guitarras compramos, canciones que tanto cantamos./ No la cambio por otra aunque no sea gran cosa". El sentido que no se ve tan rápido, aunque haya guiños obvios en la letra, es que Bunbury está cantando en realidad a Zaragoza como escenario primordial de toda su vida personal y también lúdico-profesional. "Es una canción de homenaje a mi ciudad. A las pequeñas cosas que me hacían disfrutar de mi vida cotidiana en Zaragoza. En ese momento me gustaba vivir de alquiler, tanto en España como fuera. Y ya pasaba largas temporadas en América. Supongo que estaba haciendo balance y reflejaba de dónde venía y a dónde quería ir. En 'Negativo' dejo claro que mi ruptura no es total con todo", explica el aragonés en el libro 'Bunbury experimental' (Juanjo Ordás, Efe Eme).
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No, Ramoncín no es el "rey del pollo frito", aunque se le conozca así por una mala interpretación del texto. "El rey del pollo frito es una narración en primera persona en la que el cantante se ponía en la piel de un disquero. Se malinterpretó, creyendo que hablaba de sí mismo, y el apodo le pasó a él. Para una vez que me componen una canción resulta que no es buena porque no se entiende el mensaje", explica Adrián Vogel, el auténtico rey del pollo frito. Vogel trabajaba en la discográfica multinacional Epic cuando se reunió con el joven Ramoncín en busca de un contrato en la música que nunca se firmó. La canción terminó formando parte de su disco de debut de 1978, Ramoncín y WC, y él acabó convertido involuntariamente en el personaje protagonista.
Se trata, por tanto, de una canción despectiva dedicada a este ejecutivo discográfico en particular, quien aún explica más sobre su encuentro con Ramoncín: "No me gustaba las canciones que traía. Ni lo que hacía. Nacido un año antes que yo se presentó a nuestra cita con aires de comerse el mundo. Le vacilé. Porque en asuntos rockeros el pedigrí era el mío. Y la credibilidad también. Le enseñé las vistas del despacho al Bernabéu y con chulería le dije que todo eso podría ser suyo (le ponía Madrid a sus pies). Y más o menos le eché del despacho. Ramoncín ha contado esta historia alguna vez. Nuestras versiones coinciden. Nos caímos fatal. Difiere la óptica de cada uno".
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Jugueteando con la idea que todos tenemos del actor Bill Murray en la película 'Atrapado en el tiempo', IZAL recuerdan aquí las tres noches consecutivas que actuaron en el Teatro Circo Price de Madrid en enero de 2016 presentando su disco 'Copacabana'. Protagonistas de su triple día (más bien noche) de la marmota particular, en esta canción de su más reciente entrega, 'Autoterapia' (2018), rememoran sensaciones que parecen más relacionadas con el amor romántico que con cualquier otro sentimiento. Y hay amor, pero más bien hacia el público y hacia la profesión de músico misma.
"Como una carta de amor, repito, momentos de espera y movimiento./ Te observo y qué mejor que se detenga el tiempo./ Que se detenga contigo./ Dentro de esta rueda que nunca deja de girar en fase y que esta noche eterna, triple condena, que nunca se acabe", canta Mikel en esta Bill Murray cuyo significado desvela el batería Alejandro Jordá: "Esta canción es muy emotiva para nosotros porque hace honor a aquellas tres noches de Circo Price que hicimos de seguido".
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"Ella fue la primera de sus hermanas en huir de la casa que la vio nacer, hacia lo salvaje./ Cada día era un regalo./ Libre, de sol a sol.../ La montaña fue su salvación y entre las hienas se crió", dice la letra del tema titular del sexto álbum de Amara, 'Hacia lo salvaje'. Una historia evocadora sobre la libertad, que en su plasmación en videoclip fue protagonizada por una tortuga escurridiza y aventurera.
Más allá de ese relato poético, Eva Amaral concretó el sentido de sus versos: "Significa hacia lo desconocido, hacia un futuro incierto, pero emocionante. Es una canción que habla de alguien que pasa una situación tan deshumanizada que se va a vivir al bosque, con los animales. Eso le va a hacer más humano que vivir entre otras personas".
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No se dice específicamente con nombre y apellidos en la letra de la canción, pero el madrileño Dani Martín lo ha contado en alguna ocasión. Porque 'Mi lamento' es la canción en la que Dani Martín se vacía para sacar de dentro todo el dolor por la muerte de su hermana por un infarto cerebral en febrero de 2009. "Fue como si me dieran un hostión", declaró, conciso y directo a 'Vanitatis' sobre este doloroso fallecimiento, que tiene hueco en su primer disco en solitario, 'Pequeño' (2010).
Con estrofas como estas: "Porque ya no te tengo, eras mi vida y ya no estás, y sé que ya no estas./ Que me castigue el cielo por si algo hice mal y sé que ya no estas./ Te llevo tan dentro que ni el tiempo barrerá. Y no se va a curar./ Y es que ya no te tengo y perdón por si no te supe amar./ Hoy me quedan tus momentos, eres la cara mas bonita que habrá... Tenerte cerca ha sido el premio, el más grande que he llegado a alcanzar".
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"La gente está al llegar, Kevin monta una fiesta en el local./ Mucho M.D.A. lo vamos a flipar./ M.G.M.T va a sonar", cantan Supersubmarina en este tema de su EP 'Retroalimentación' (2011) en la que se ponen inusitadamente rudos: "Esta noche alguien va a probar mi barra de metal, la que no se enfría jamás, siempre está hirviendo".
Es, básicamente, la historia de un desfase colectivo en el que poco o nada importan las consecuencias, que parte de una premisa inspirada por el ímpetu fiestero actual de Macaulay Culkin, como explica el propio grupo: "¿Qué pasaría si Kevin McAlister (Macaulay Culkin en la película 'Solo en casa') tuviera nuestra edad e hiciera una fiesta? Pues que sería una locura. Esta canción habla de la noche y de la fiesta".
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No es ningún secreto que en ocasiones les van mejor las cosas a los que no consiguen la victoria y se quedan con el segundo premio. Eso es básicamente lo que ha ocurrido con la carrera de Los Planetas, banda que según Santi Carrillo, director de la revista musical 'Rockdelux', eligió el título de esta canción después de quedar segundos en un concurso de maquetas de su revista en 1993 por detrás de Australian Blonde. Vamos, que aparte de rezumar amargura y desesperación típica por un desamor, tiene también un desencanto que va más allá y un título irónico relacionado con la propia historia del grupo -también hay quienes debaten si se trata de un mensaje para su discográfica de entonces, RCA-. "Sentado esperando a que llames, rezando por que des una señal./ Los días cada vez van más despacio y solamente puedo esperar", dice la letra de este sencillo de adelanto de su aclamado álbum 'Una semana en el motor de un autobús', que fue coronado por 'Rockdelux' como mejor álbum de 1998. Purita justicia poética.
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Parece el típico relato de un amor fogoso, pero en el trasfondo hay una historia real en la que el fuego, efectivamente, fue determinante, tal y como explica el vocalista Marc Ros a ICON: "Sabía que 'El Incendio' era una buena canción, pero en la grabación del disco me estaba rayando el uso de la metáfora del fuego para hablar del amor, me parecía un topicazo. Estaba aplazando el momento de cantarla, sentía una mezcla de desidia y miedo. Todo cambió cuando vino Baldo, nuestro teclista de aquellos días, para grabar un órgano Hammond. Al llegar al estribillo vimos una humareda saliendo de su altavoz Leslie ¡Se estaba incendiando con la maldita canción! Me lo tomé como una señal y la acabé cantando con todas las vísceras de mi cuerpo al rojo, sin complejos de poeta pretencioso. Originalmente la canción se titulaba 'El brillo cegador', un título absurdo, ahora me suena a brilli brilli. Después de este incidente decidí titularla 'El Incendio".
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La canción que da título al disco de 2016 de Love of Lesbian es una oda a la creación, al lirismo y a la importancia de las palabras en la música. "Por eso estoy por aquí otra vez, rebuscando en mi almacén esa palabra con su débil timidez./ Ojalá encuentre la forma, más me vale, tengo un tema que acabar./ Si no aparece nunca o entiendo que no di con la palabra justa./ Y cuando al fin la encuentro llega aquel mar de dudas", dicen en algunos de sus versos.
Lo que el propio grupo ha explicado es que ese 'Poeta Halley' para ellos está representado en algunos artistas que admiran precisamente por su buen hacer con las letras, como apunta Santi Balmes: "En un principio,i Serrat [quien recita en la parte final del tema] no tiene nada que ver musicalmente con nosotros, pero quizás en una búsqueda de que las letras puedan ser leídas, aparte de cantadas, es el nexo y representaba la solera y el buen vino. Pienso que para mucha gente 'El poeta Halley' puede ser Love of Lesbian, pero para nosotros es Serrat o Manolo García, esa gente del rock patrio que escuchabas y decías: 'Maldita sea, están utilizando las letras para algo más que para ser memorizadas de una manera frívola'". En la imagen. Santi Balmes, en un concierto de Love of Lesbian.
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